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六岁开始随鞍山市文工团林清溪老师学习扬琴。1987年随中央音乐学院黄河教授学习扬琴，次年考入中央音乐学院附小师从黄河教授。1992年升入附中继续师从黄河教授。 　　1993年第一届及2001年第二届全国音乐艺术院校扬琴教学研讨会上，随黄河教授在中央音乐学院及南京艺术学院做教学表演，获得好评。1992年参加录制《扬琴名家名曲》录像带和扬琴《天山诗画》CD,2000年参加录制《黄河扬琴作品伴奏》CD。 　　1996年中央音乐学院民族器乐比赛中获表演奖，在2000年中央音乐学院第二届龙音杯民族器乐比赛中获全系第一名。 　　2002年获得中国青少年艺术大赛第一届民族乐器独奏比赛扬琴青年专业组金奖。 　　现就读于中央音乐学院民乐系扬琴专业本科，继续师从黄河教授。
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弹得好好听啊，我也要学这首曲子！我要是也能弹这么好就好了
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这是他很久前弹的！
相信你自己，你也可以的！
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他弹琴感觉很好的！
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来报个到，
我是来学习的。
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大家一起学习！[em03]
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扬琴演奏的水平是可以的,但是演奏时外表也要注意一点,毕竟是在表演给全国人民看.
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老大,这是他初中的时候拍的,他现在在上研究生!
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98年买了这个碟
现在都在看`~~
不错啊~[em06]
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找个扬琴曲子很难
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来源：搜狐音乐
　　“火，太火了！”、“原来扬琴音乐会还可以如此混搭、这么有趣！”这是刚刚结束的一场扬琴音乐会，两位年轻观众走出音乐厅在寒冷冬日里的对话。让我们再把时间退回两个小时到音乐会开场之前：晚上七点半开演，提前四十分钟便有观众入早早场，看着家长领着孩子纷纷入场不禁让笔者疑窦丛生，这场面着实让人感叹：这可是一场严肃的民乐教学成果展示会，为什么吸引了这么多的观众？离音乐会开演还有十五分钟，音乐厅的座位就已经不怎么好找了，冬日的寒风抵挡不住观众的热情，过道上挤满了人，有些不拘小节的观众索性坐上台阶。当然这并不是一场儿童专场或者普及音乐会，当民乐届、作曲届的各位专家依次落座后，笔者才打消疑虑：这是一场严肃地、很有学术意味的音乐会。那一天是日，由中央音乐学院民乐系主办、黄河教授、王瑟老师指导的扬琴教学系列音乐会如期上演，得到了中央音乐学院王次菰撼さ睦春麓牵傲俚匠〉募伪龀吮驹焊飨到淌谥猓褂欣醋灾醒朊褡謇滞拧⒅泄悴ッ褡謇滞拧⒅泄衾盅г骸⒅泄非г骸⑹锥际Ψ洞笱У戎诙嘣和拧⒃盒５淖已д摺？梢院敛豢湔诺乃担」芤衾只岬墓婺２淮螅诙越萄в胙葑嗄Ｊ降男绿剿鳎约懊窭钟胱髑目缃绾献鞯壬畈阋馕抖裕娜肥且淮沃档蒙羁袒匚兜囊帐跏⒒帷
　　一、教学音乐会彰显薪火相传的温馨与默契
　　本场音乐会是中央音乐学院扬琴教学成果的一次展示，但它的意义远不止如此。正如黄河教授在音乐会开场前的致辞所言，教学音乐会还肩负着“传帮代”的任务。这是一场作为老教师的黄河教授与代表新生代的青年教师王瑟一道通力合作、共同打造的扬琴教学展演，从黄河教授所延续下来的正是中央音乐学院一贯坚持的严谨治学、规范教学的传统，这与年轻一代教师的锐意与活力发生了强烈的“化学反应”，让音乐会带动教学的传统模式散发着强烈的时代气息。音乐会的背后透露的是中央音乐学院作为培养专业演奏人才摇篮的专业水准，交织的是传承与创新。黄河教授不仅注重扬琴教学的内容和质量的把控，同时还关注如何将优良的民乐教学传统以最有效的方式传递下去，整场音乐会让笔者感受到的是那份为薪火相传而孜孜不倦的努力与新、老教师之间激情的碰撞，着实令人感动。可以说，音乐会的成功举办让我们看到了黄河教授作为音乐教育家的睿智、眼界与胸怀，以及王瑟老师（也曾受教于黄河教授）的领会与配合，新老教师间传递的是一种默契。
　　二、教学音乐会新作品风格各异、各具风采
　　“艺术精神是需要包容化育，我们对扬琴艺术的发展也需要更加博大的胸怀，正是这样的思想引领，在今天的音乐会中才可以听到风格更加多元的扬琴室内乐作品。”黄河教授在音乐会上如是说。
　　的确如此，音乐会上演的风格多元且极具包容性的作品，让人们无不领略到扬琴家族的可塑性和那万千变化的艺术魅力。著名作曲家徐昌俊的《凤点头》所传达的是古老戏曲艺术的现代演绎，那不断变化的节奏律动、融合古朴与现代的韵律源源不断的音乐动力与张弛有度的音乐张力，在扬琴与钢琴和打击乐的堪称完美的协作与配合下表现得淋漓尽致。青年作曲家王丹红的《动感弹拨》、《翡翠》、《狂想曲》是为扬琴组与西洋弦乐组、打击乐这种新颖的组合方式而创作的，三部作品各具特色，扬琴与其它乐器组的配合十分顺畅和贴切，在表现幻化的韵律、动感的节奏、声部间的衔接合应、复杂有序的音响对位以及高难度技巧方面驾轻就熟、游刃有余。台湾新锐作曲家Jamie Lin创作的《三拍子》和《雨的联想》充分体现出古典唯美、恬静高雅的艺术旨趣，其中的快板乐章融入了华丽的爵士音乐风格，令在场的观众耳目一新、跃入新境。音乐会上演的黄河教授的扬琴作品《滇寨春色》将观众带到了云南山寨晨曦时分那奇异朦胧的美景之中，优美动听颇具地方色彩，作者大胆借用钢琴三重奏的形式，扬琴、大提琴、钢琴三者之间动静有致、神采逸出。（该作曾获文化部全国第一届民族器乐独奏比赛优秀新作品。）无一例外，这场音乐会的众多作品在发挥扬琴的演奏技巧与特色方面是相当成功地，很有说服力地让观众体会到扬琴艺术融会贯通的博大，领略到扬琴艺术的万千风情。
　　三、教学音乐会突显教学、演奏、创作的多维互动关系
　　毋庸置疑，本场音乐会是对中央音乐学院扬琴教学成果的一次高水准展示，王玉珏、马英俊、向鑫都是刚刚在中国音协第四届“金芦笙”全国民族器乐大赛中分获金、银、优秀奖的选手，其他扬琴重奏演员也是本院培养的优秀本科生和研究生，不乏有各类民族器乐比赛的获奖选手，这保证了本场音乐会的演出水准与质量。在黄河教授和王瑟老师的悉心指导下，演员们精心的排练、出色的发挥、精彩的表演以及无可挑剔的演奏技术，令在场的听众不得不对台上的佼佼者们表达丝丝羡慕之情，对这群演奏家的专业精神表达敬意。
　　当然一台音乐会的成功与否，若没有上演作品的支撑是无论如何也是无法做到的。值得一提的是，本次音乐会上演的作品均由专业作曲家创作，且风格更加多元复合，从舞台上的乐器摆设便可见一斑：除了高音扬琴、中音扬琴、低音扬琴等声部多样的扬琴家族以外，还包括了钢琴、弦乐乐队、手风琴、竹笛和打击乐等等中西混搭的室内乐队，这些乐器之间的组合光听名字就让人充满期待：别具一格的搭配在舞台上的碰撞将会出现怎样奇特的音效组合？丰富的声部层次组合而成奇异的音效，未到场聆听音乐会的观众可以充分发挥想象。本场音乐会绝对可以算作是一场民乐新室内乐作品音乐会，这是笔者感触最深的一点。黄河教授在国内民乐届有着崇高威望，他不仅是演奏家、教育家而且是位极富创作能力和才华的作曲家，多元的跨界背景带给黄河教授的是宽广的视野，让他能够在教学、演奏、创作、甚至策划演出方面颇具洞察力，他充分重视到扬琴艺术的表演形式应当多元化，除独奏、重奏、合奏以外，还应与其它不同种类的乐器进行有机结合，进一步拓展扬琴室内乐艺术之路，让真、善、美通过扬琴艺术真正得以诠释。
　　就更大的层面而言，我国民族器乐的发展应当是一套体系的整体性进步――演奏、教学与创作之间缺一不可。从演奏与教学的关系来看，用严谨、合乎规律的教学手段，锻造扎实的表演基本功，在传统教学模式之上探索新颖的教学方式，促进演奏的多层次发展，同时以“教学音乐会”的形式检验教学成果，从而带动演奏教学的进一步发展。从教学与创作的关系来看，通过举办新形式的音乐会演出民乐新作品，来吸引更多的专业作曲家为民乐创作，一方面丰富扬琴的教学训练曲目，另一方面，从民乐教学的角度推动中国民乐创作的发展，这是一条极富意义的跨界之路，这样一条有机互动、良性循环的当代民乐发展之路正是应当引起学界关注的。
　　祝贺中央音乐学院扬琴教学音乐会的成功举办！祝贺黄河教授、王瑟老师！祝贺演奏家们的出色发挥！预祝中央音乐学院扬琴系列教学音乐会越办越精彩！
(责任编辑：董文)
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主演：黄晓明/陈乔恩/乔任梁/谢君豪/吕佳容/戚迹
主演：陈晓/陈妍希/张馨予/杨明娜/毛晓彤/孙耀琦
主演：陈键锋/李依晓/张迪/郑亦桐/张明明/何彦霓
主演：尚格?云顿/乔?弗拉尼甘/Bianca Bree
主演：艾斯?库珀/ 查宁?塔图姆/ 乔纳?希尔
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著名扬琴演奏家黄河、王瑟教学音乐会圆满落幕
“火，太火了！”、“原来扬琴音乐会还可以如此混搭、这么有趣！”这是刚刚结束的一场扬琴音乐会，两位年轻观众走出音乐厅在寒冷冬日里的对话。让我们再把时间退回两个小时到音乐会开场之前：晚上七点半开演，提前四十分钟便有观众入早早场，看着家长领着孩子纷纷入场不禁让笔者疑窦丛生，这场面着实让人感叹：这可是一场严肃的民乐教学成果展示会，为什么吸引了这么多的观众？离音乐会开演还有十五分钟，音乐厅的座位就已经不怎么好找了，冬日的寒风抵挡不住观众的热情，过道上挤满了人，有些不拘小节的观众索性坐上台阶。当然这并不是一场儿童专场或者普及音乐会，当民乐届、作曲届的各位专家依次落座后，笔者才打消疑虑：这是一场严肃地、很有学术意味的音乐会。那一天是日，由中央音乐学院民乐系主办、黄河教授、王瑟老师指导的扬琴教学系列音乐会如期上演，得到了中央音乐学院王次炤院长的来函致辞，莅临到场的嘉宾除了本院各系教授之外，还有来自中央民族乐团、中国广播民族乐团、中国音乐学院、中国戏曲学院、首都师范大学等众多院团、院校的专家学者。可以毫不夸张的说，尽管音乐会的规模不大，但在对教学与演奏模式的新探索，以及民乐与作曲的跨界合作等深层意味而言，的确是一次值得深刻回味的艺术盛会。
一、教学音乐会彰显薪火相传的温馨与默契
本场音乐会是中央音乐学院扬琴教学成果的一次展示，但它的意义远不止如此。正如黄河教授在音乐会开场前的致辞所言，教学音乐会还肩负着“传帮代”的任务。这是一场作为老教师的黄河教授与代表新生代的青年教师王瑟一道通力合作、共同打造的扬琴教学展演，从黄河教授所延续下来的正是中央音乐学院一贯坚持的严谨治学、规范教学的传统，这与年轻一代教师的锐意与活力发生了强烈的“化学反应”，让音乐会带动教学的传统模式散发着强烈的时代气息。音乐会的背后透露的是中央音乐学院作为培养专业演奏人才摇篮的专业水准，交织的是传承与创新。黄河教授不仅注重扬琴教学的内容和质量的把控，同时还关注如何将优良的民乐教学传统以最有效的方式传递下去，整场音乐会让笔者感受到的是那份为薪火相传而孜孜不倦的努力与新、老教师之间激情的碰撞，着实令人感动。可以说，音乐会的成功举办让我们看到了黄河教授作为音乐教育家的睿智、眼界与胸怀，以及王瑟老师（也曾受教于黄河教授）的领会与配合，新老教师间传递的是一种默契。
二、教学音乐会新作品风格各异、各具风采
“艺术精神是需要包容化育，我们对扬琴艺术的发展也需要更加博大的胸怀，正是这样的思想引领，在今天的音乐会中才可以听到风格更加多元的扬琴室内乐作品。”黄河教授在音乐会上如是说。
的确如此，音乐会上演的风格多元且极具包容性的作品，让人们无不领略到扬琴家族的可塑性和那万千变化的艺术魅力。著名作曲家徐昌俊的《凤点头》所传达的是古老戏曲艺术的现代演绎，那不断变化的节奏律动、融合古朴与现代的韵律源源不断的音乐动力与张弛有度的音乐张力，在扬琴与钢琴和打击乐的堪称完美的协作与配合下表现得淋漓尽致。青年作曲家王丹红的《动感弹拨》、《翡翠》、《狂想曲》是为扬琴组与西洋弦乐组、打击乐这种新颖的组合方式而创作的，三部作品各具特色，扬琴与其它乐器组的配合十分顺畅和贴切，在表现幻化的韵律、动感的节奏、声部间的衔接合应、复杂有序的音响对位以及高难度技巧方面驾轻就熟、游刃有余。台湾新锐作曲家Jamie Lin创作的《三拍子》和《雨的联想》充分体现出古典唯美、恬静高雅的艺术旨趣，其中的快板乐章融入了华丽的爵士音乐风格，令在场的观众耳目一新、跃入新境。音乐会上演的黄河教授的扬琴作品《滇寨春色》将观众带到了云南山寨晨曦时分那奇异朦胧的美景之中，优美动听颇具地方色彩，作者大胆借用钢琴三重奏的形式，扬琴、大提琴、钢琴三者之间动静有致、神采逸出。（该作曾获文化部全国第一届民族器乐独奏比赛优秀新作品。）无一例外，这场音乐会的众多作品在发挥扬琴的演奏技巧与特色方面是相当成功地，很有说服力地让观众体会到扬琴艺术融会贯通的博大，领略到扬琴艺术的万千风情。
三、教学音乐会突显教学、演奏、创作的多维互动关系
毋庸置疑，本场音乐会是对中央音乐学院扬琴教学成果的一次高水准展示，王玉珏、马英俊、向鑫都是刚刚在中国音协第四届“金芦笙”全国民族器乐大赛中分获金、银、优秀奖的选手，其他扬琴重奏演员也是本院培养的优秀本科生和研究生，不乏有各类民族器乐比赛的获奖选手，这保证了本场音乐会的演出水准与质量。在黄河教授和王瑟老师的悉心指导下，演员们精心的排练、出色的发挥、精彩的表演以及无可挑剔的演奏技术，令在场的听众不得不对台上的佼佼者们表达丝丝羡慕之情，对这群演奏家的专业精神表达敬意。
当然一台音乐会的成功与否，若没有上演作品的支撑是无论如何也是无法做到的。值得一提的是，本次音乐会上演的作品均由专业作曲家创作，且风格更加多元复合，从舞台上的乐器摆设便可见一斑：除了高音扬琴、中音扬琴、低音扬琴等声部多样的扬琴家族以外，还包括了钢琴、弦乐乐队、手风琴、竹笛和打击乐等等中西混搭的室内乐队，这些乐器之间的组合光听名字就让人充满期待：别具一格的搭配在舞台上的碰撞将会出现怎样奇特的音效组合？丰富的声部层次组合而成奇异的音效，未到场聆听音乐会的观众可以充分发挥想象。本场音乐会绝对可以算作是一场民乐新室内乐作品音乐会，这是笔者感触最深的一点。黄河教授在国内民乐届有着崇高威望，他不仅是演奏家、教育家而且是位极富创作能力和才华的作曲家，多元的跨界背景带给黄河教授的是宽广的视野，让他能够在教学、演奏、创作、甚至策划演出方面颇具洞察力，他充分重视到扬琴艺术的表演形式应当多元化，除独奏、重奏、合奏以外，还应与其它不同种类的乐器进行有机结合，进一步拓展扬琴室内乐艺术之路，让真、善、美通过扬琴艺术真正得以诠释。
就更大的层面而言，我国民族器乐的发展应当是一套体系的整体性进步——演奏、教学与创作之间缺一不可。从演奏与教学的关系来看，用严谨、合乎规律的教学手段，锻造扎实的表演基本功，在传统教学模式之上探索新颖的教学方式，促进演奏的多层次发展，同时以“教学音乐会”的形式检验教学成果，从而带动演奏教学的进一步发展。从教学与创作的关系来看，通过举办新形式的音乐会演出民乐新作品，来吸引更多的专业作曲家为民乐创作，一方面丰富扬琴的教学训练曲目，另一方面，从民乐教学的角度推动中国民乐创作的发展，这是一条极富意义的跨界之路，这样一条有机互动、良性循环的当代民乐发展之路正是应当引起学界关注的。
祝贺中央音乐学院扬琴教学音乐会的成功举办！祝贺黄河教授、王瑟老师！祝贺演奏家们的出色发挥！预祝中央音乐学院扬琴系列教学音乐会越办越精彩！
来源：全球艺术文化网 撰文：张斌
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扬琴训练的基本要素
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时间：日 22:29
扬琴于明代后期传入我国，在民间广为流传，至今已有四百年左右的历史。经过历代制作家和演奏家的努力，在乐器制作和演奏技法等方面都得到了很大的改革和提高，在世界上已成为独树一帜的――中国扬琴体系。建国以来扬琴迅速发展，从事扬琴教学、演奏和研究的队伍也日益壮大，中国扬琴已成为广大青少年喜欢的民族乐器之一，通过学习陶冶情操，提高文化素养和审美能力，据初步统计现在全国业余学扬琴的将近几十万人，这充分说明我国的扬琴事业正在蓬勃发展。虽然今天扬琴事业有着可喜的大好形势，但是也应该看到，目前扬琴训练中所存在的问题不少，技术训练不够科学，片面追求学习进度，笔者结合多年的演奏实践和教学研究，就如何科学的练琴问题，提高练琴效率，快速掌握演奏技术，促进教学质量的提高等问题，谈一些练琴的科学方法，并希望和同仁们一起来探讨。
乐器演奏是实践性和技艺性的艺术，学生的首要任务是在掌握科学的练琴方法的前提下，做到持之以恒，逐步建立正确的演奏习惯，不断提高演奏技艺，去表现作品的意境。扬琴训练中应注意以下四个基本要素，即：慢弹与快弹的基本要素；单手与双手的基本要素；视谱与背谱的基本要素；局部与整体的基本要素。
慢弹与快弹的基本训练
慢弹就是放慢速度练习，快弹就是按规定速度或接近规定速度练习。练习新的曲目，若一开始就匆忙地快弹，势必造成读谱方面的不细心，技术方法的不讲究。当然有快速的弹奏能力应是一个优点，但是快要得当，即：做到快而不乱，击弦准确，手腕灵活，富有弹性，旋律流畅，节奏准确。谱面上所有的要求都要做好，音乐表现准确、深刻。要达到这些要求在练习中就必须掌握好慢、快的基本训练方法。
慢弹是快弹的基础。练习一首乐曲慢练便于认真、仔细地读谱，在练习新的乐曲时，开始应力求把谱面上的要求弹对，不得有任何错误，只有慢练才能更好地顾及演奏方法，而且慢练能有充分的时间去仔细听辩，练得愈慢，思考的问题就愈多愈细。
一首新乐曲开始若能用准确、科学的方法演奏，这样等到乐曲练熟时，技术方面的一些问题会相应地得到了巩固和提高、并且能得心应手地弹好这首乐曲所要表达的效果。当乐曲中遇到一些技术上的难点，一定要放慢速度做到反复练习。这样才能够攻克难关，技术方面才会得到提高。在慢练过程中，要做到认真仔细地读谱并有意识地进行记忆，当慢练将基础打好之后，谱子也就背得很熟了，这时逐步进入快弹就具备了良好的条件。所谓的慢弹仅仅是弹奏速度放慢，在思想上绝不能漫不经心，击弦也不能慢慢吞吞、懒懒散散。要知道，慢练是为快弹作准备，所以思想上应是积极、认真的；琴键头触弦方面，慢弹应与快弹一样的要求，发音上具有颗粒感和穿透力，这样的慢练才能把基础打好，快弹的目标才能达到。慢练只是将所弹的一个音与弹下一个音之间的间隔加大了。而每一次手腕击弦动作的本身则仍然是敏捷、有力，并与快弹的动作相同。通过多年的分析研究可以看出，慢弹是提高练琴效率的基础和核心。
在练习中快弹是对慢弹的检验。在慢练已经为快弹打好一定基础之后，可以逐渐向规定的速度去演奏。也就是一点一点地逐步加快，每次加快程度的多少，应掌握在慢练的效果能在逐渐加快的过程中仍能得到保持和体现为准。而快弹又是对慢练的检验，快速演奏不能奏好，说明慢练的基本功不过关，那就还要将速度再放慢一点练。
快、慢结合练习效果好。练琴虽然要先慢、后快，但在每天的整个练习的过程中，慢练与快练要交替安排练习。在实践中可以发现，快练时常会发现一些在慢练中没有碰到的难点，这就需要拿出来单独慢练、精心加工，然后再又逐渐加快。快练里也常常不能完全顾及谱面的要求和弹奏的技术方法，在快练一阶段之后，谱面会淡漠。所以，在快练一段之后，不论有多大的把握，都一定要有意识地再细心看谱精心慢练。此时发现疏漏可以及时补救和改进，即使没有发现什么疏漏，那对乐曲的记忆和理解，演奏技术方面的规范和熟练，定能起到进一步的巩固和加深的作用。这种再次慢练是自己在已经熟练的基础之上，是在新的高度之上的精心慢练，这时的头脑更加清楚，目的性更明确，技术方法更考究，对作品的理解更深刻，定将进入到更新的境界，如此循环反复，弹奏水平将得到很大提高。
单手与双手的基本训练
单手是指分声部单手练习，双手是指双声部合起来双手演奏，它的训练过程是：单手过关后双手合成。练习新乐曲时，如双声部较难，首先必须分声部单手练习，这样两只手先分开单独练习，便于将精力集中在一只手上，这样能练得更精细、效率更高，脑神经更容易形成条件反射，谱面的形象和音乐形象更鲜明。扬琴曲中左、右手声部不同，有相对的独立性。左、右手分开单练，便于更清楚地了解高、低声部的音乐形象，有利于对作品的分析。而且到了双手合成时，由于脑子里对左、右手的音乐形象鲜明、具体，能更好地安排各声部之间的配合呼应，对于乐曲的处理有很大的好处。
在训练中应注意重视左手训练。扬琴弹奏，要求左、右手应具有同等的功能。扬琴主旋律声部一般在左手，而左手通常较弱，所以要多练左手，后练从属声部，这样能较好的培养分手独立活动能力及加深声部的层次概念，以达到左、右手能同样熟练，配合协调。双手合练的基本要求是：配合得天衣无缝；左右仍声部清晰鲜明。在双手合成时，应注意左右手不能各自为互相干扰和抵消。双手应配合得很默契，让听众得到浑然一体的、统一完美的音乐感受。在浑然一体的配合中，左、右手又不得有任何的含混不清，既要突出旋律，其它部分要轻一些，但仍应非常清晰鲜明，富有层次感，双手的配合力求做到默契、完美。
一般左手能力较弱些，当双手配合快速弹奏时，定能发现左手练习中的不足和弱点，这就要重新进行左手训练。待弱点和不足克服之后，再双手配合。单手与双手要经常进行交替练习，每一次的交替练习就是技术上一次新的飞跃。
视谱与背谱的基本要求
视谱和背谱，一般不能引起人们的重视，正因为如此常常影响学习进度。降低了练习的效率。练习新的东西，自然要先看谱。其基本要求是：读谱要精确，这是最起码的要求，但是有的学生就是看谱不细心，错误一大堆。并由于错误的印象在脑海里已先入为“主”，以后很难彻底改正，所以要求从一开始就保证准确地视谱。
视谱做到看清还要看精。看清是着重于每个音、每个记号及各个段落部分，看精则是从纵观谱面的所有要求进行分析思考，深入理解作品的内涵，然后综合研究整体安排。看精的前提是看清，若不看清就不可能看精。看精不是一次能达到的，它需要反复多看几次。看精不是只靠眼睛，而主要是靠头脑思考、分析研究作品内在精神。看精将随着年龄的增长，修养的提高，特别是扬琴弹奏水平的提高而提高。可以说，看精是一种无止境的要求。
背谱弹奏是熟练程度的标志之一，是上台演奏的需要，背谱之后可以全神贯注投入演奏，从而大大提高演奏的水平。在这个基础上对节奏、音色、力度、句段、旋律及声部进行仔细处理，呼吸和语气感等问题进行全盘考虑，这样才能真正演奏好一首乐曲。背谱应是有意识地、积极地、从一开始看谱就为背谱做准备，边看谱、边记忆。将谱面上的一切有如复印在脑海里一样。背谱是理解乐曲、分析乐曲的过程。头脑里应非常理智、清楚的反映音乐形象。背谱应该做到从理性到感性。当谱子背下来后，要充分地理解分析乐曲的结构及音乐形象。当你在演奏时，不只是单纯地背奏乐谱，而是应该把作者的情感完全融化在自己的情感里，演奏出来的音乐应是内心的表达，是自己真实情感的流露。看谱和背谱不是绝对的，背谱弹奏时仍然要随时重新看谱，以便加深记忆和理解，使自己融化到音乐里。
局部与整体的基本训练
所谓的局部是指乐曲的分句式、片断；所谓的整体是指乐曲的全部。也就是分段练习与全曲练习的训练关系。一般开始拿到一首新曲时，总要先粗略地弹一遍，以便对这一首乐曲有一个总体的印象，便于安排练习的计划。当一首较长的乐曲若总是从头到尾的一遍又一遍地练，必然印象不深、弹奏不精。因此对新乐曲一定要分段进行认真、仔细地练习，这样才能提高效率、节省时间。乐曲中遇到困难片断，应该单独多练。不管有多么难的片断，必须从慢练入手，一点一点地加快，直到最后，在单独弹这一难点片断时能够弹得比规定速度还快一些，这样，到了按规定速度进行正式弹奏时，难点就变得容易了。分段练仅着眼于一个段落内，没有完整的音乐形象。完整练则着眼于整首乐曲，有完整的乐思。完整练并不只是简单地将各段落都融合、连结在一起，相互配合、前后呼应，成为不可分割的，有完美音乐形象的完整乐曲。更主要是培养学生的理解力，表现力和综合的演奏能力。
扬琴练习中，获得良好而理想的效果，并不是轻而易举的事，必须结合科学的练琴方法，以上所述是多年教学演奏的探索和总结。希望能够对扬琴艺术的发展起到积极的推动作用。使扬琴这一世界性民族乐器之花，在世界的音乐百花园中，开放得更加绚丽多彩
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