艺术家都是酒鬼 给力的酒广告(4)_创意设计_生活至上_YOKA时尚网
艺术家都是酒鬼 给力的酒广告(4)
据说有一半以上的艺术家都是酒鬼，你呢？
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追求富有生机的艺术创作—专访艺术家李小可
大雅宝胡同在“文革”时称为蓬勃胡同。它位于东城区东南部，东起建国门北大街，西至春松胡同。是北京胡同中有名的胡同之一。大雅宝胡同甲2号在当时作为中央美院的教职工宿舍，一段时期内汇聚了整个二十世纪中国最顶尖的美术大师们：徐悲鸿、齐白石、李苦禅、董希文、李可染、吴冠中、黄永玉……任何一个名字叫出来那都是响当当的人物，这么多大师同住在一起，不可不称为传奇。
而李小可先生，自幼随父母画家李可染、雕塑家邹佩珠迁入大雅宝胡同甲2号，从小在父亲李可染先生和诸位叔叔伯伯膝下玩闹成长，不但度过了年幼时最快乐的一段时光，也在耳濡目染和得天独厚的环境下，开始走上了绘画创作的道路。
如果说幼年时期的李小可，对于绘画只是一种“受家庭影响、随意性的爱好”，那么12岁时的一幅水墨作品《千帆图》在他现在回忆看来，那种密集的量感描绘手法，也许就是他后期风格塑造的开端。而这幅水墨作品，也让年仅12岁的李小可在英国伦敦举办的国际少年儿童绘画展上获得奖项。
良好的家庭氛围熏陶，加之自身对绘画的浓厚兴趣，1960年，李小可考入中央美术学院附中开始进行系统而扎实的基础美术教育。自幼受家庭影响喜爱中国画。20世纪七十年代开始协助父亲李可染创作、生活，并在父亲的指导下研习中国山水画。八十年代起先后30余次深入西藏、青海、长江源头、黄河源头、甘肃等西部藏区进行写生摄影及生活体验。又多次赴黄山、太行山、燕山等地写生。在艺术创作上，他在继承中国画传统和李可染艺术精神的同时，还以开放的心态、注重吸取外来艺术的营养，把坚持性和开放性结合起来，坚持对传统的继承，坚持对于生活的不断感悟发现，同时以一种开放的态度，来对待世界和当代的一些视觉经验，大胆地去尝试水墨表现新的可能性。
有评论家曾这样评价道：李小可作为李可染大师的儿子和学生，在继承家学，完成了一个山水画家所必备的学养和基本训练之后，已经成为当代山水画坛极具实力的画家。但是其并没有完全遵循可染大师的创作模式，而是师其心而不蹈其迹。李小可的山水画创作已展示出新的艺术格局。如他所创作的作品中运用家学的山水笔墨语言符号来表现自然山水的粗犷雄奇，厚重沧桑；表达当代城市山水的生活家园、人文情怀。用现代的时空观去俯瞰自然，用当代的人文精神去俯瞰社会人生，将山川河域、人文景观纳入自己特定的心境中，创作出充溢着时代感的李小可心象“水墨家园”。而以古都北京、西藏、黄山为艺术创作的“水墨家园”系列，无疑是李小可对自己作品风格的鲜明定位。
现如今，55年绘画生涯过去了。近10年来，除了绘画创作之外，他还积极参与公共美术事业的推广普及，坚持中国山水画的教育，赞助、策划数十场美术展览，号召关注和推动西藏美术事业的发展。在采访过程中，我提出了这样一个假设，在若干年后，倘若未来的人们谈论到李小可，他希望人们给予怎样的评价，李小可说道：“我希望人们在看到我的作品时，都能感受到那是我对生活的真切表达，进而会说李小可是一个真切面对生活和艺术的人。”
以下内容为《北大光华》杂志
采访实录：
《北大光华》：您眼中的李可染作为父亲和启蒙老师，给您留下最深刻的印象是什么？
& & & & & 李小可：印象中的父亲对人生、对生活、对文化、对自然一直保持着敏感的真性情。他很少说话表达，他很内向不善于言语，但你却分明感觉到他一直在思考，他对生活对客观事件有一种与生俱来的敏感度，实际上，我觉得这种敏感是他的艺术天分，能够捕捉到别人没有感觉到的情绪。在写生的时候，父亲经常会说，他自己像外星球来的人，精微的、安静的看待能令人感动的事物。所以艺术家都是要具备这样的敏感度的。就拿老舍来说，有一年老舍在重庆看我父亲开的人物画展，他见到我父亲的第一句话是“穷苦中，当你能看到一张好画的时候，就好像在饥饿中吃了一顿白斩鸡。”实际上他说的这种感觉，可能看画展的人都有，但是能马上敏感地说出来，又恰如其分，所以这个敏感是艺术家成功的最内在的一个因素。
那时候的我的父亲并没有名气，而齐白石和徐悲鸿认识李可染，实际上也是如此际遇，在一个展览会，我父亲的水彩画是展览中的其中一幅作品，徐悲鸿先生带着东南亚的一个文化代表团，偶尔经过门口，见有一个展览便进了去，一看我父亲画得不错，就问父亲是否愿意相互交换，那时候的徐悲鸿虽然年轻，但已是艺术界的重要人物，所以您说这是不是也说明了徐悲鸿对艺术的敏感，最后李可染也成为这个时代的艺术大师。咱们再回头看看齐白石、林风眠，如果没这些人的敏感发现，就不可能有李可染的艺术成就。
他所创作的作品中运用家学的山水笔墨语言符号来表现自然山水的粗犷雄奇，厚重沧桑；表达当代城市山水的生活家园、人文情怀。
《北大光华》：您个人风格的塑造过程中，李可染先生对您产生的最大影响是什么？
&& & & &&&李小可：作为父亲，他对我的影响实际上是他对艺术和人生的态度，这集合成了他独有的艺术精神，这种艺术精神一个是在对待艺术上的，另一个是在对待人生上的。在对待艺术上，父亲常说“千难一易”，就是说艺术风格的建立，实际上是一个积累和准备条件的过程，条件具备了，才能水到渠成。而艺术风格的建立，实际上是包含两个层面的：一个是对传统前人文化经验的借鉴和传承，对民族文化本体特征的了解。第二个是对现代生活的不断感悟，对时代和生活的感动。
我父亲在20世纪四十年代时讲过，对于传统文化要“用最大的功力打进去”，也要“用最大的勇气打出来”。而这个“打进去” 不仅仅是一个基于绘画技术上的表现，而是要研究一个民族文化的内涵特征和本体文化的表现形式。
所以对于我来说，实际上我的艺术创作，也是仅仅抓住这两点：一是对于传统文化学习感悟，去挖掘更多的表现可能性和空间，包括用中国山水画这种水墨表现形式来表现程式化。作为艺术家，如果能做到对于传统文化不断的借鉴和吸取，就好像背靠着一座大山有了支撑。你要知道，你背靠的，不是一个人的智慧，而是整个中国历史和中华民族在历史长河中积累下来的完整的雄厚的养分，这不是一个人两个人能够代替的，所以只有在创作的过程中，不断地从传统里面吸取营养，才能使你的艺术表现具有源源不绝的创作底蕴。二是作为一个当代的艺术家，实际上需要把传统和生活这两个因素连接起来，如何用传统的语言表现艺术家对时代和生活的感悟。在不断变化的生活中，发现自己特有的审美意境，继而用融会了现代的表现形式和语言方式来表达当代的感悟。这就是我父亲提到的另一个层面“用最大的勇气打出来”。
另外，就是在对待世界文化和当代文化的态度上，父亲有一句话，我至今记忆深刻，他说“自己的文化是血液，外来的文化是营养，我们不仅借鉴和吸收、学习外来文化的经验，我们应该做到呼之即来，挥之即去，为我所用。” 所以我的整个艺术表现过程中，也是一直坚持着这样的艺术的态度，把坚持性和开放性结合起来，坚持对传统的继承，也坚持对于生活的不断感悟，同时以一种开放的态度，来对待世界和当代的一些视觉经验，大胆地去尝试一些水墨表现的新的可能性。
在艺术精神上，父亲曾说过“可贵者胆，所要者魂”说这个胆与魂是东方文化精神，同时也要有一种时代精神，有一种创新冲动。就是说水墨传统的艺术形式，通过你这一代艺术家，通过你的艺术实践，在艺术表现当中寻求新的表现可能性。这个实际上是20世纪大师们所共同追求的东西。
《北大光华》：您从什么时候开始有自己的绘画风格？
& & & & & &李小可：那是在1986年以后，年我在中央美院进修人物画，因为我父亲是画山水的，我去学画人像实际上是要弥补自己在造型方面的不足。我开始画大量的人物素描，慢慢的开始建立自己对造型的形式结构和结构语言。我在美院进修的时候，正好搭上五四思潮，在中央美院这样学府里，你会强烈地感受到东西方文化带来的碰撞，尤其是当时有很多西方现代艺术涌入中国，为我们打开了一扇了解西方艺术的窗口，而这加深了我对传统文化的思考和选择，而这样的选择，使我的艺术表现在绘画表现形式上产生了一个既有坚持性又有开放性的风格。
所以，当我最早的作品《宫墙》在北京风光展上展出的时候，很多人都开始都关注这个作品和作品背后的作者。所有的画界同仁都感到眼前一亮！人们觉得我用了独特的视角、新鲜的结构和生动的笔墨形式画出大家熟识的北京城。用水墨这种语言表达对都市家园的表现，创造出了崭新的意境，使中国画的创新有了新的形式落实。
《北大光华》：谈谈您水墨家园系列作品吧，为什么会选择北京、黄山、西藏这三个地方呢？
& && & & & 李小可：水墨家园对我来说既是文化家园，也是情感家园。父亲自幼就教育我，要精读传统与大自然两本书，历史悠久的中国山水画，是取之不尽的宝库，但我们不能固守不动，在继承传统的同时要重表现，一定要有自己对生活的感悟、要有个人化精神的表现。北京是我从小到大一直生活的地方，从小生活在大雅宝胡同里，那么多叔叔伯伯小朋友住在一起，对于我来说，那是我的家园。长大了，这种家园感在延伸，实际就成了北京城，北京的四合院，北京的胡同，北京的大栅栏，北京的年……这些画里是我对北京的印象，除了灌注了过去的情感和文化，它还是一面镜子。
过去的胡同夏天虽然炎热，有知了，但所有小院的大门都是开着，有一种安宁的祥和的气氛，在这种气氛中，街坊四邻不是家人却胜似家人。但随着城市现代化的飞速发展，很多过去的历史文化和情感记忆开始消逝，这会给人们带来一种失落感。所以作为我个人，我是希望把过去的一些记忆画在作品里，所以慢慢开始有了《宫墙》、《胡同》、《宫雪》，到后来的水墨家园作品，北京的这组作品，实际上是我对乡愁的一种表达。
也是从这系列的作品起，我开始总结自己在绘画上的表现风格：重表现。个人的画技是一个无止境的前进过程，但是作为一个作品，一定要有感而发。
而黄山一直以来都是中国山水文化胜地，中国历代画家，尤其是以山水画为主的画家，都会把黄山作为中国山水胜地来反复表现。虽然它是一个自然形态的山，但是黄山具有千变万化的大气现象，它吸引着中国历代的画家，尤其是近代的黄山画派，包括石涛、梅清、渐江、黄宾虹，包括我父亲李可染、张大千，包括吴冠中、黄永玉等等，他们都会去到黄山体悟，也从黄山当中去认识传统和认识中国的山水和自然。所以黄山对于我来说，自然也不例外。黄山呈现的是我对于水墨本体语言及传统程式化表现的探索。黄山为历代名人墨客所描写，黄山难画也是共识。我把画黄山看成 “补课”，补“师法自然”、感知领悟的课，补面对前人创造的传统课，由此建构自己对黄山的“重新认识”。我在对黄山这个题材进行反复的研究和探索后，我也提出一个口号“学步，问道，以学为进”，“学步”实际上就是说刚开始你不停的积累和锤炼自己水墨表现的技艺，不断吸取学习新的事物。“问道”就是在整个绘画过程当中，不仅要解决一般的技艺问题，更多的是要了解绘画背后的内在规律，而这种规律实际上需要不断地感悟。通过不断地学习、积累、感悟来推动自己前进和逐步完善。
而对于西藏，我去过30多次，面对圣洁瑰丽的雪山，那种苍劲和敬畏之心是经历过严寒和困苦的人，才能最终得见的。每次的西藏之行，我都会被不同的事情所感动到，这也是为什么我会不断地创造关于西藏的作品。
我记得有一次到西藏参加当地的宗教活动——晒佛。连续几天的持续性宗教活动从早晨直到晚上。解散的时候，其中一个僧人大概七十多岁，穿着袈裟，戴着一个黄色的帽子，他从寺院里出来，顺着寺院的墙边往他的住地走，当他走到后面的墙角时他站住了，他用额头贴在墙上，默默地在那里诵经，当时我就非常感慨，这个僧人可能十几岁就来到这个寺院，每天都是修行诵经，也许几十年都是这样过来的，而在这样一个大的佛教活动日，从早晨就开始活动直至解散，大家都疲惫地赶回去休息了，但他还要停在那里，还在默默继续着只属于自己内心深处的自我坚持。这是一种信仰的力量。
再比如西藏有很多经常都不会有人前往的荒原，但是藏民去了，他们会在山上把石头一个个地垒起来，插上经幡，而这种日积月累的无意识的表达，却给了人一种震撼的力量。我去山上作画的时候，就仿佛能够追溯到他们当时那种精神境界。
前年我去布达拉宫，碰到了一队从四川甘孜来的二三十个藏民，他们一步一长头，历经6个月，磕到布达拉宫，不管是冬天大雪，还是大雪封山，他们一路未曾回头，他们的衣服磨得很斑驳，手上带的板基本快磨平了，但他们面容却充满了希望和喜悦。每一次去西藏，对我来说都是一种追溯，而这种追溯实际上是对精神世界的向往。
《北大光华》：您对待绘画的态度是什么？
& & & & & 李小可：我希望我的艺术创作，是带有本真，或者叫真切性，而这个真切性的来源是我对于文化和生活的感动，这种感动包含了我对人生经历的感动和对自然的感动。我的每一次写生经历，就是我艺术创作的源泉。我觉得艺术应该表现事物的生机，如果没有对客观世界的感悟，只是在概念化的程式里，靠想象笔墨结构来抽象创作，那就缺乏了对生机的描绘，而这种生机的特殊性、新鲜感是要在生活里头不断地去感悟和发现的。
后记：李小可作为李可染大师的儿子和学生，在继承家学，完成了一个山水画家所必备的学养和基本训练之后，已经成为当代山水画坛极具实力的画家。但是李小可没有完全遵循可染大师的创作模式，而是师其心而不蹈其迹。李小可的山水画创作已展示出新的艺术格局。
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责任编辑：shuhanliu
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