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尔雅美学原理2015判断题精编版
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尔雅美学原理2015判断题
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3秒自动关闭窗口艺术和非艺术要怎么区分？
看到自己不理解的东西，例如现代舞、行为艺术、一些画作、文学之类的，被冠以很高的评价，我往往会耻笑不屑。但假如现代舞搭配一个让我欣赏的音乐，我就会被他的动作所感动，我就会感受到他所表现的力量。我知道，把它们分离后，这只现代舞和我所不屑的其它可能没太大分别。欧洲著名小提琴手在地铁拉奏，无途人赞赏。毕加索或者什么大师的画如果在我手中也可能只是一个涂鸦。艺术还是垃圾，到底要怎么鉴赏？如果说艺术需要学习才有能力鉴赏，那么新兴的艺术又该被如何肯定？3月21日21点53补充如下：荷兰YouTube整蛊节目在宜家家居(IKEA)购买价值十欧元的油画(上图)，放到阿纳姆的现代艺术馆，向参观者讹称是瑞典著名画家「IKE Andrews」的大作，测试他们的反应。节目访问二十名参观者，均以为油画是旷世杰作，有人形容与「象征主义」有关(下图)。被问到油画值多少钱时，有参观者豪言「若油画只卖二百五十万欧元，一定会买」。其实这个问题分为两部分：1是怎样分辨艺术和非艺术，2新兴的艺术该被如何肯定。3月22补充：我觉得包括排名头2位的多数答案都很有道理，这些答案都表明了普通人（没有受过艺术教育）是没办法参与进去的。大师更容易捧红一个艺术界的新人。
按时间排序
艺术的界定是个哲学问题。没有标准答案。以下提供六种争论的思路，可以做个参考。1. 艺术需不需要体现艺术家精湛的技艺？有人觉得需要，有人觉得天然去雕饰更好。2. 艺术需不需要给人以愉快的感受？3. 艺术必须表达艺术家的情感吗？4. 艺术是不是得有积极正面的中心思想？艺术是不是为了让我们更好的生活而存在的？5. 艺术的形式是不是必须整齐和谐？5. 艺术是不是必须展示艺术家对现实的洞察和思考？
关于艺术与非艺术差别，需要的是学习，就像题主说的艺术鉴赏是需要长期学习的，说句政治不正确的话，艺术从来都不是人民能理解和鉴别的东西，也间接说明了艺术是需要充足的知识。在这里我推荐一些了解艺术的学习方法1.从你比较了解的喜欢的艺术家为切入点，了解当时的艺术圈背景和社会大环境，一个艺术家的形成受各方面的影响，同样艺术家也会影响同时期以及之后的其他艺术家，他受哪位前辈艺术家的影响，再到他影响的其他的艺术家，到对立反叛这位艺术家的艺术家，用这个方法你大概就能摸清一段时间的艺术脉络，这是了解不同艺术家和派别差异的着眼点。2.了解艺术和飞艺术的概念差别我们就以题者讲到的宜家的例子宜家那个事件其实是个概念偷换的炒作，，偷换概念一定要大写加粗才能表达我的愤怒，我们先来确认一下宜家的那个不是油画，是清晰印刷品，印刷品和绘画有什么概念差别？一个是有版次的可以重复印刷的，就像工业批量生产，自然是工业市场的自然价格，另一个是创造出的独一无二的东西。版权和原作价格是完全不一样的概念也就不需要拿到这边来比较，这就相当于一颗高仿制玻璃钻石和真钻石，大家依然不会怀疑真钻石的价格！著名艺术家的绘画被拥有者卖了高清打印版权了之后那像宜家之类的会继续工业生产这种廉价的印刷品拿来卖，但是原来那幅贵的画自然还是不会被印刷品的批量生产影响价格。当时搞这个新闻的人打一开始就没有分清印刷品和原品的概念和价值差别，宜家还会打印蒙娜丽莎的印刷品拿来卖呢，请问这种情况会影响蒙娜丽莎原作价值贬值吗？此情况同理，并且，宜家很多打印图也是买了版权的，或是买插画师的版权或是艺术品的。另外我还要说下，艺术鉴赏一定需要学习的，就像你看小说一样，你要了解当时的一些社会情况有助于你很好的看小说，艺术也是一样。首先不是去怀疑艺术，而是去了解艺术，才能理解它，才能喜欢上它，站在外围雾里看花自说自话的认为他是怎么样的，只能说是自大。
建议题主读一下艺术概论。此书虽然是教学用书，但对艺术的解释很全面，作者的理论知识很系统，读起来不枯燥。是一本让人从艺术的各个环节去了解艺术定义的好书。你提的这个问题书中有涉及到。如何定义艺术？艺术的本质是什么？如何进行艺术鉴赏？回答了这三个问题，就回答了题主所问"艺术和非艺术的区别在哪里"了。个人并不太同意高票答案，艺术和庸俗并非不可鉴定。相反，艺术与庸俗是可以明确区分的。"美"也并非"情人眼里出西施"，并非不可"各有所爱"。相反，"美"是有统一性的。艺术与庸俗的根本区别就在于，此物是否让你获得了"审美愉悦"。是，那就是艺术，没有，那便不是。其实又何止是相对于庸俗之比呢？严格上来说，艺术是人类的一种生产活动，那么，这种生产活动与其他生产活动比如挖煤造矿，做菜织衣，和面椿谷等有什么区别呢？既审美性。审美性，是艺术区别于其它人类生产活动的根本！切记切记。这是回答了第一个问题，什么是艺术。第二，艺术的本质是什么？艺术的本质是创造性与批判性。创造性不用解释，原本一个罐子能喝水就行，创造，然后变成了各种模样的罐子。这个大家都懂。那什么叫批判性？批判性既艺术作品是了包含艺术家（创作主体）对客观世界的思考。这点非常非常非常重要！重要！重要！我在有一个答案里写过，没有一个艺术流派是凭空冒出来的，艺术流派的形成离不开当时整个社会思潮的影响。社会思潮催生艺术流派。所以，当你看现代艺术作品时，一定不能仅看作品本身。你要了解创作环境。了解当时的社会思潮是什么。现代艺术出现很多抽象的，剥离的，扭曲的，赤裸的，不规整的等等，很大程度上与冷战时期反战一战二战的反思等等有关。列农和小野洋子裸体在床上接受采访，其背后的思潮就是对越战的反思–"要做爱不要作战"。一战二战后无数人残疾无数建筑被毁，所以现代艺术表现出支离破碎，抽象变形等，无不是对这些社会现象的反思。这，就是艺术的批判性。衡量一个艺术作品层次的高低，取决于批判性。批判性也是一个艺术作品格调高下的体现。网是的人体艺术，私拍情色等等，美吗？也许美，但具有批判性吗？No。所以显得格调低。这就是衡量艺术或非艺术的尺子。但是，比如毕加索，画年迈的妓女，也是裸体，也是人体，但干瘪的乳房和穷困的背景无助的眼神苍老的皱纹，体现出了对现实中这类人的悲悯，现实的残酷等等。所以即使画面不讲究那么高的准确性，结构等有夸张变型的地方，但，这是艺术。艺术思考现实，艺术批判现实，艺术不是对现实的简单附和，也不是对现实的歌功颂德。而是艺术家对社会人生等等的思考。当一件作品你透过它看到了作者对于人性的理解时，它会是一个好作品。最后一句话总结，首先是否具有审美性，是是否是艺术衡量的标准。其次，在具有审美性的基础上，是否具有批判性，是衡量此作品是否经典的标准。
那天还在微博上看见一个人说“当代艺术就是个笑话”。首先不谈艺术史和创作背景，鉴赏艺术就是个笑话。作为一个在画廊工作的人（而且我们画廊签约艺术家都是搞当代的），有一个特别深的感触，每次来的人，非富即贵，看着作品张嘴就问：“这画的是什么呀？我怎么看不懂？ ”首先，不懂就要学习，面对一件作品，不经过自己大脑思考和阅读，张嘴就说看不懂什么玩意儿不是一件多么光彩的事。其次，艺术，尤其是当代艺术，它的意义和价值不在于这个艺术家“画的是什么”，这又不是临摹，非得让你看出个物体形态，更多的在于艺术家背后创作的动机和哲学思考，了解这些需要你了解艺术家的生平，艺术家的所思所想，艺术家的创作根源等等，了解这些，才能谈得上一个词“共鸣”。这就能很好地解释为什么人人的审美水平和审美喜好都大相径庭，因为处在不同的阶层，有不同的环境塑造，所以你喜欢的，你认为是艺术或者非艺术的东西都不一样，这真没法界定。大凡都是由不理解开始，慢慢自己的经历和阅历改变，或许某一天突然就会“理解”也说不定呢。
一，艺术是人类活动，自然界的东西再美也不是艺术。云不是艺术，拍云的照片可以是艺术。二，艺术曾经被迫区分善恶美丑，所以很多人还习惯性地认为优美的，雅的，传递正能量的才是艺术，但是真的图森破，现在早就不在乎这些了。听说过《恶之花》么？三，艺术是什么，看不见摸不着，其实，我们说的只能是艺术品。四，艺术品的制造曾经是需要技术的，而且技术越牛越高级，比如米开朗基罗的雕塑，当然齐白石画虾也算。但是现在技术也不需要了，听说过毕加索吧，那么听说过达达主义么？五，如此说来，不论美丑，不论技术含量，岂不是任何人造物都算艺术品了？错错错。实际上任何人造物都可以成为艺术品（注意是可以成为，不是本来就是）。怎么成为艺术品呢？上帝说要有光于是有了光，大师说这是艺术品于是就成了艺术品。要成为艺术品关键是你得把它放到作为艺术品该在的地方而不是作为物品该在的地方。就像这样（侵删）
我觉得这个是更好的说法：一切伟大的艺术中都有一头野兽：驯服了的。
3.31更新————————————————————————————————————要回答这个问题，让我们回到很远很远之前吧。“三类最高的价值，无论是过去还是现在，都被区分为：善，真，美”，柏拉图如是说；“三种心灵机能与生活的方式，无论是过去还是现在，都被区分为：理论，行动和创造”，亚里士多德如是说，后来在罗马时代，昆提利安开始用这个理论来三分艺术。不过在经常出现的想法和人们言谈之中的分类，则慢慢的演变成为了一中简单的之非亚氏二分法：理论和实践。艺术（art）源自于拉丁文ars，而ars又出自于希腊文&（原谅我真的打不出来，以&代替了），&在罗马，中世纪，甚至到文艺复兴开始时期，都表示技巧，即制作某种物体所需要的技巧：比如，一栋屋子，一条板凳，一件衣服；此外，&同时也表示行军打仗，丈量土地，或者煽动民众所需要的技巧。这些技巧都被称之为"艺术”，所以，建筑师，雕刻师，化工，裁缝，几何学家，修辞学家从这个意义上都可以被称之为“艺术家“，凡是某种技巧都需要相应的知识或者规则作为基础，所以缺少规则或者相关知识不能被称之为艺术，所以，这个时代，规则便成为了艺术的定义要素之一。相对于类似与灵感或者幻想而成就的事物就算不上艺术了，在古希腊，无需规则做出的事物非但不被认为是艺术，而且根本就是对艺术的反对。有趣的一点就是，对于诗歌，希腊人认为这是缪斯所赋予自己的灵感，因此诗歌就不在艺术的范畴之内。所以在古代或者中世纪，艺术的概念比现在通行对于艺术的理解都更为广泛。但是这种观念慢慢发展，有了这样的变化，人们慢慢的意识到，手工艺和科学必然一定会被分开，而且一定会被排除到艺术的概念之外，诗歌的美也并不是毫无规则可循，早就应该被纳入到艺术的范畴之内（到后来亚里士多德的《诗学》出版，诗歌俨然已经成了诗歌的一部分了）当工匠和真正的美术家作品之间的差异越来越大，美术从手工艺独立出来的必要也就显得更有必要。尤其是在文艺复兴期间，这类作品的生产者——画家，雕刻家，建筑师收到无比的尊敬和礼遇，他们也认为自己的地位高于工匠，所以美术也就成了一只比较独立的艺术分支了。历史到这里，也出现一中比较明显的艺术分类：纪念性的艺术罗多维克认为手工艺所生产出来的东西，绘画，雕刻，乃至是诗歌，都是讲事物或者事件保持在人们的记忆之中画图的艺术在这个意义之下，克劳德的一句名言：一切高贵的艺术都要动用肖像，便是最好的明证诗意的艺术诗意充斥在词句的明喻和隐喻之中，形成了一种高贵的微妙，在文学，戏剧，绘画，雕刻，舞蹈，无一不充满了各种隐喻和指示。文雅的艺术与快活的艺术究竟用什么来描述艺术的特征呢，这些巧妙的，高贵的，纪念的，究竟是什么把他们维系在一起而又被称之为艺术呢，哈里斯提出，“文雅的”一词，跟他连带在一起的概念也被建立了起来所有在上述描述之中的，都属於艺术后来一群人想把艺术的特征用定义的方式表现出来，但是无一例外，所有既定的理论都失败了：艺术之显著特征在于它产生美 但是，美是一个歧义多端的概念，就其最广义而言，这个字可以用来表示使人产生快感的任何事物。就其狭义而言：他通常被用来表示一类均衡，清晰与形式之和谐（只要我们停留在古典艺术的领域之中，这一切都十分合适，但是一旦涉及到哥特艺术，巴洛克艺术乃至20世纪的艺术事，这种狭义之美有何意义便值得三思了）。他并没有顾虑到哥特艺术在奋力的追求崇高，也没顾虑到巴洛克艺术在奋力表现繁华。艺术之显著特征在于它再现或者再造现实这样一种说法：艺术模仿现实，但是这类特征并只能涵盖绘画，雕塑之类模仿类的艺术，但是模仿一词，有着更为深刻的意义，对于外形的模仿以及对于精神的模仿，并不能涵盖建筑，作曲甚至一些非具体的绘画以及雕塑，这种说法也显得力不从心，这种定义，虽然风靡一时，但是已经成为陈迹艺术之显著特征便是形式之创造艺术乃是将形式赋予事物，换言之，便是构造事物，他将形式赋予物质和精神。（亚里士多德：除他们应当具备形式之外，对艺术品别无所求）。如果形式是艺术的特征，那么他就不能是任和一种固定的形式，用一个宽泛的“形式”定义同等宽泛的“艺术”是没有任何意义的艺术之显著特征便是表现这种分类方式集中到艺术的代理人上，集中在艺术家的立意上，这种定义首倡者是克罗齐及其门人，某些艺术心理学的哲学家，还有一些像康定斯基这一类实际从事创作的艺术家，但是问题又来了，丹丹举一个例子，构成主义艺术之显著特征在于其产生美感经验这种定义，轮到注重艺术品加于观赏者之效果。在效果中，艺术能够产生美感经验，但是近代的诸多艺术，带来的经验，不仅仅只是美感艺术之显著特征在于它产生激动这种定义的方法，出自于对观赏者的考量，但是每一个观赏水平又不尽相同，所获得感官体验应该不仅仅只是激动所以，那些被我们称之为艺术的东西，具有多重不可描述的性格；艺术不只是在不同的时代，不同的国家，不同的文化，采取不同的形式，满足了不同的需求。若是这样，非艺术就没有一丁点作用了吗~或者，从根本上说，区分艺术与非艺术本身就是一种不明智的做法(更新中....
艺术，不是也不应该是一个门槛。它本来只是一类手段。但是这类手段又太丰富，太随心所欲了。所以在评价一个作品乃至一个场景是否有艺术时，唯一需要做的，只是评价结果。如果最终你看到了艺术感，那么这个作品、这个情景就是有艺术的。
在高票的回答中，都强调了艺术家的主观意识在艺术中的作用，但是这并不完全是艺术有门槛、普通人（没有受过艺术教育）没办法参与进去的理由。这种以创作者为中心的评价体系在文学中都已经落后时代上百年了，不知道为什么到了更为先锋的艺术行业大家还秉承着这种陈旧的想法。为了讨论这个问题，我们不如先来假设一下，以下三种情形中，哪种属于艺术。情形的基本结构是一样的：一个人，在一个小便池上签了个名，给它取了名字，叫泉。情形一：这个人，叫杜尚，是一个成名已久的艺术家。情形二：这个人，叫路人甲。情形三：这个人，叫路人甲。他只是有签名癖，名字也是撒尿的时候随口叫的。但他有个好朋友，是美术馆馆长，馆长觉得路人甲整个行为非常有艺术想法。如果定义艺术就是艺术品的话，那么这三种情形下，它们要么都是艺术，要么都不是艺术，因为无论创作者的身份和动机是什么，作品呈现的最终形态是一样的。（什么是作品呈现的最终形态呢？举个例子，就好像在橘园美术馆，经常会听到有人指着睡莲说，就这我也能画。然后觉得这些艺术都是虚的。但事实上，他们根本不可能完成莫奈在睡莲中表现的光影状态。他们画出的睡莲，与莫奈的就属于“作品呈现的最终形态”不一样。大部分人（包括题主），对于艺术的误解在于对于作品呈现的最终形态并不理解。这个最终形态并不仅仅是包括艺术品本身，也包括它在创作中的技术和观念的突破。理论上，如果艺术品A获得了一个地位，那么和它最终形态一致的作品，应该都获得同等地位。理解这些是可以通过学习慢慢习得，然后形成自己逻辑自洽的评价标准的。）我们现在假设的就是这么一种理想的情况：三种情形下的作品，呈现出了同样的最终形态，那么它们就一定会都同样地被视为艺术品，或者不被视为艺术品吗？事实情况是，情形一有很大可能性被视为艺术；情形三也很有可能被赋予意义，进而成为艺术；而情形二可能就被埋没了。若使情形二也要成为艺术，那么它需要被看见。无论是创作者的自我营销还是艺术评论的无意挖掘，它只有被看见，才可能进入艺术讨论的范畴。而它倘若只是被你我这样的普通人看见，如何呢？我们可以把它定义为我们眼中的艺术。就像我们也可以把美术馆许多我们看不懂、或者心生厌恶的作品定义为非艺术一样。这是我们自己的事。但是我们的想法会产生力量吗？ 前提还是我们的想法能不能被看见。所以艺术，本质上，是一种话语权力。那有人就会问了，就没有一些审美上的东西，可以超越这种权力直抵人心吗？就好像蒙娜丽莎、胜利女神，放在那儿，就能感受到心灵的震撼。姑且不讨论审美本身就是一场话语建构，其实，如果你看过足够多的作品，你就知道，会让你产生原始审美愉悦感的作品实在是太多了，多得就像怀才不遇的艺术家一样。他们没有主观意识吗？没有创作激情吗？甚至，没有天分吗？我看过的许多展览里，有些艺术家们想传达的主观意识我很清晰地可以理解，并感受到。可我还是觉得没有什么意义。举个例子，在美国一个非常著名的美术馆，有一组大画幅作品。作品就是选了一些字典中的词，按照它们在韦伯字典里原本的格式，把词和它的释义印刷在画布上。然后这些词是艺术家的助手选的，画布是别人织的，印刷是印刷工人做的，艺术家只是签了个名。美术馆对此的介绍说，艺术家完全游离在这个创作之外，以此表达对工业化时代艺术的反思（大意）。我理解创作者的这个意识，也理解美术馆的解读。但是我同时也更坚定地认为，艺术，就是一种话语权力。
你觉得它是，那它就是。就像我每次见着她，都觉得那是神圣不可侵犯的上帝都做不来的艺术。
现代艺术有一个完整的发展历程。不了解的人也许确实无法从那些看似缺乏技术含量的作品里了解他背后的艺术家所投入的思考。你说毕加索的画看起来像涂鸦，那么请看下面这张画：这是抽象表现主义画家德库宁的代表作之一，这么看毕加索是不是正常了许多？这是抽象表现主义画家德库宁的代表作之一，这么看毕加索是不是正常了许多？如何区分艺术和非艺术，很简单，当艺术家投入思考之后所产生的作品就是艺术品。没上学的小孩子随便涂一涂也许就是上图那个样子，但是这跟一个有着功底的艺术家对着模特看了半天最后把她画成这副样子是不一样的。再举个例子吧，改变我人生的小便池诶不对杜尚。他做的事跟题主说的实验差不多，拿一个做好的小便池签个名摆进美术馆。他扔给观众的问题就和题主问的一样：这特么算不算艺术？当然达达主义走的是个极端。虽然个人很喜欢，但是嗤之以鼻的也有不少。不过看楼上连波洛克都有人黑了……估计对他们而言，艺术在十九世纪就已经终结了，反正画画的目的就是为了画的像对不对，那相机发明了之后油画就可以收拾收拾推进火化炉了？所谓新兴艺术，对于大部分有艺术常识的人而言，毕加索杜尚波洛克安迪沃霍尔都已经算是古董了，现在的新兴艺术跨越多种媒介，有些重形式有些重内容，有价值的自然会被肯定并且留下来，如果对现代艺术基本的了解都没有，说实在的，你肯定了也没什么用。至于没有受过艺术教育的人是否可以参与进来……如果你对某一些现代作品有感触，想要去了解，那你当然就是参与者。但是如果你从心底就鄙视它们觉得它们毫无意义，那何苦浪费你自己的时间呢……生命短暂，干点喜欢干的事吧……
艺术不一定要学习艺术史拜见老大家才有鉴赏能力，艺术鉴赏是需要突破，学习也有学法。早期的的减笔画法梁楷发展到八大山人一支在日本的受赏程度和时间上都高于早于中国，在本土居然是靠后期的操作才一路炒到高热，不是因为咱中国人多粗俗多高雅也不是因为看得多看得少，这也不是个要说多赶时髦的事，而是因为日本民族特性更开放更能突破那些史那些评，相信自己的欣赏能力，相信自己，太震撼，咱居然就不相信自己老问这种开放的问题。最早期的日本学习鉴赏收藏的中国画主要是走商买的一些集市古代的装饰画，就一普通民众挂家里的货色，不为啥，图喜欢。还有一种就是和尚过来取经收了一些道释画，也是因为职业，除此就是图喜欢。再后来几个一心想取得真经的收了一批名家的画，当然不是之前那么随性图喜欢，有点脑残粉的味道，并非是一路鉴赏过去的，更像一路求拜老大劲搞到天朝认证回家看。但这之后，日本的绘画鉴赏并非怎么一路飙飞，可以说还是各有所爱，并一爱到底。在西方绘画冲击之前，日本并非完全依附于中国画，只能说借此滋养。日本对画的喜好，发展出自己的绘画特色，专注于自己的喜好。不管正不正统，图个喜欢，还义无反顾的喜欢，所以有些看似极端的画法在日本的接受度更高，发展的支流更早。在打破规则，有选择的诚心则灵和纯粹的钻研热爱学习上，咱肯定不如日本。还在这为艺术非艺术你死我活，还在那打嘴炮。人特大气特随意就一喜欢，解决了大多数问题，直接给你把结果做出来了，管你好不好爱不爱，反正我爱这么画。我写论文的时候惊呆了好嘛要哭了好吗，居然有这么赞的技能。艺术是发展出来的不是讨论出来的，喜欢，就去做。不然就一路跪拜吧，脑残粉的下场反正是要钱买教训的，还是能学到东西。史这东西只能参考，让你不被骗而已，整天图个正确，榜上有名，有权威，有个蛋用啊。一听学习就吓闪了腰的，不喜欢的，哪有那么多问题，别走进自己创造出的应试教育的寒颤中不能自拔了。艺术就没图你一个来喜欢，天大地大，人还能就少你一个？人各有好，人各有爱，闭嘴干活好好爱。
可以去看一下电影:阿黛尔的生活， 相比百合的背景，其中文化差距的反映更直接。
雅俗共赏，优秀的作品就像优秀的人，无论是社会底层或是最高领导人，都是一样，至于怎么分别他们，那就是【你】的问题了
以上是网易公开课里我看过的一个挺有意思的，我觉得内容其实跟你举的例子挺相似的吧。首先，貌似是真的需要学习才能提高鉴赏能力，去欣赏一些艺术品。因为你只有了解它的内涵才能理解它不过其实也没有关系，喜欢自己喜欢的东西就好啦，如果那个东西打动你了，引起你的共鸣了，无论是“艺术”还是“非艺术”我个人觉得都无所谓啊，因为每个人的审美都是不同的啊，也没有必要去追求别人认为艺术的东西啊，如果你喜欢一件作品，它带给你愉悦或某种共鸣，那它对你的价值就在这里了而不在于别人说什么了。关于新兴艺术怎么被接受，我个人觉得只能艺术家自己慢慢熬，毕竟不是所有人都像毕加索和安迪·沃霍尔那么幸运，大多数可能都跟梵高、莫奈一样不被当时的人接受。。。不过也说不定啊，如果会宣传会造势也说不定也能被人熟知被人接受，不过我个人觉得可能有的功利化，不过也不是不能接受。
这个问题的答案可以写满整个艺术史。
你喜欢就好~
现在艺术都要分三六九等了？赶紧请大神再整点高大上的艺术样板，比如八个样板戏啥的。记得有句话说，艺术的最高境界是宗教。那么说艺术和修为有些关系。别人总不好随便给艺术定标杆，毕竟高僧大德又不是公务员还得评职晋级吧。
我不认为这是如何区分艺术和粗俗的问题，而是你有没有勇气说出自己观点的问题。就像也有人不欣赏梵高或毕加索，关键是你敢不敢说出来，你敢不敢说出来你其实欣赏约瑟翰o庞麦郎。要不然也不会有那么多怀才不遇了。姜太公钓鱼也是一个道理，可能你觉得画廊里挂的画都一文不值（撇开历史、人文条件），却愿意买路边一个不知名画家的小作品。那那个小作品对你来说就是艺术品，不管在别人心里是不是。审美、艺术可以说本来就是件私人的事。绝对不是人云亦云。
关键在于是否表达出了想要表达的东西
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